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Crediti fotografici : Stéphanie Davilma
Installata in Ardèche dopo gli studi a La Cambre di Bruxelles, Livia Spinga sviluppa una pratica della ceramica in cui la materia conserva la traccia del gesto. Ispirata ai paesaggi che abita e ai savoir-faire della ceramica tradizionale, esplora le logiche di assemblaggio, ornamento e trasformazione.
Per l’apertura della prima boutique Sessùn a Milano, immagina un lampadario monumentale in ceramica composto da moduli sospesi, proseguendo le sue ricerche sulla luce, la materia e i contrasti tra peso e leggerezza.
L’abbiamo incontrata per ripercorrere il suo percorso, le sue sperimentazioni sui materiali locali e lo spazio lasciato all’imprevisto nel processo creativo.
Hai studiato a La Cambre a Bruxelles prima di stabilirti in Ardèche. Puoi raccontarci il tuo percorso e le tappe che hanno formato la tua pratica?
Sono cresciuta nella regione parigina, prima di studiare arti applicate e scultura tra Roma, Parigi e Bruxelles, dove ho completato il mio percorso con un master in ceramica a La Cambre, orientato all’arte contemporanea. Dopo la scuola ho installato il mio atelier in Ardèche. Sono anche diventata insegnante a tempo parziale nel campo del design e dei Métiers d’Art. Non ho mai lasciato l’atelier, ma questo equilibrio mi ha permesso di continuare la mia formazione e la mia ricerca. Il mio insediamento ad Ardèche ha ampliato la mia visione della ceramica. Ho scoperto una cultura ceramica attraverso incontri, luoghi e cotture a legna. La ricchezza geologica del territorio mi ha inoltre permesso di sviluppare un approccio diverso ai materiali. Tutte queste esperienze hanno nutrito la mia pratica e mi hanno progressivamente portata verso la creazione di oggetti decorativi e scultorei.
Quali sono le principali fonti d’ispirazione, nell’arte, nell’artigianato e nella vita quotidiana in Ardèche?
Le mie fonti d’ispirazione sono molteplic. Mi piace pensare i miei pezzi come dei collage. Realizzo ceramiche mescolando il vocabolario della ceramica con forme provenienti dalle arti decorative, dall’architettura vernacolare e dal mio ambiente quotidiano. Per me gli oggetti sono sempre come enigmi da risolvere, e nel mio lavoro cerco di suggerire indizi sul loro processo di fabbricazione. Mi affascinano le forme che si assemblano e si adattano tra loro; dalla perla alla mattone, dalla pietra al ciottolo, i moduli attraversano i paesaggi, gli ornamenti e le architetture fin dalla notte dei tempi. Sono attratta dalla fertilità delle loro associazioni, dai loro valori funzionali e decorativi. Le tracce del processo e gli assemblaggi, lasciati visibili, diventano ornamento.
Lavori con terre, cenere e minerali raccolti attorno al tuo atelier. Come scegli questi materiali?
Le mie scelte si sono costruite gradualmente, attraverso tentativi ed esperimenti. Ho avuto la fortuna di lavorare con la geologa Maryse Aymes e di incontrare ceramisti sensibili a queste questioni. L’Ardèche è geologicamente molto ricca e complessa, il che mi dà accesso a numerosi minerali. Posso inoltre utilizzare un mulino a giara presso il Polinno, un laboratorio condiviso in Ardèche. Non sono in una logica di raccolta sistematica: a volte integro una nuova materia nelle mie ricerche ed esploro le combinazioni che può generare. Nel tempo ho soprattutto costruito un metodo semplice, adattato al mio ritmo di lavoro e alla vita quotidiana dell’atelier.
Metti “l’esitazione, l’errore e il lasciar andare” al centro del tuo lavoro. In che modo queste nozioni entrano concretamente nel tuo processo creativo?
Come in ogni pratica artistica, l’oggetto finale è il risultato di una serie di scelte: mostrare o nascondere, levigare o interrompere, chiarire o conservare la traccia del gesto. Cerco di preservare una parte di esitazione e di errore in ciò che mostro, come un modo per disinnescare i miei automatismi. Questo mi impedisce di aderire a un’idea preconfezionata dell’oggetto. Mi piace lasciare che il lavoro mi sorprenda, per sfuggire a idee troppo limitanti.
Sessùn ha aperto la sua prima boutique in Italia, a Milano, per la quale hai realizzato un’installazione in ceramica. Come è nata questa collaborazione?
Sono stata contattata dal team di Sessùn. Fin dal primo incontro abbiamo parlato di ceramica, ma anche del loro desiderio di affidarmi un progetto di nuova scala, con grande libertà di ideazione e produzione. Mi hanno poi messo in contatto con Cobalto Studio, responsabile del design e della direzione artistica del progetto. La loro prima proposta per l’illuminazione e gli elementi d’ingresso era molto in sintonia con il mio lavoro. Ho sviluppato diversi disegni e, molto rapidamente, il progetto ha preso forma. Per alcune settimane ho lavorato sugli aspetti tecnici insieme agli architetti. Ho collaborato anche con l’Atelier Feuz, un artigiano fabbro con cui avevo già lavorato, che ha realizzato la struttura con grande precisione e sensibilità. Ho poi seguito l’installazione a Milano con l’aiuto degli artigiani locali: una fase nuova per me, che si è rivelata molto positiva. Ho apprezzato profondamente questo progetto, soprattutto per la qualità degli scambi e la fiducia accordata da interlocutori esigenti e reattivi.
Come hai affrontato la creazione di questo lampadario in ceramica? Qual era la tua intenzione su luce, colore e materia?
Tutto è partito da una proposta di Sessùn e di Cobalto Studio. L’idea era quella di sviluppare il mio lavoro sui moduli ceramici in una scala più ampia. Cobalto Studio mi ha presentato una proposta che mi ha subito convinta. Da lì ho lavorato prima su disegni e proiezioni per diverse settimane, poi direttamente in atelier. Per la forma complessiva del lampadario siamo partiti da un oggetto tradizionale: disponendo file di elementi lungo la stessa circonferenza e definendo quattro punti di fissaggio verticali, il lampadario diventa una sorta di “pozzo di luce”. Utilizzo questo modulo geometrico fin dai miei studi. La forma nasce da un ricordo d’infanzia: un pavimento in mattoni cotti in un luogo in cui ho vissuto. Camminavo su quel pavimento e giocavo con le linee. Ho conservato quell’immagine e quelle sensazioni, che ho poi reinterpretato nel mio lavoro. Il mio lavoro si caratterizza per l’uso di una terra chamottata, lavorata in spessore. Mi interessa che gli oggetti, pur essendo pesanti e grezzi, diventino preziosi grazie al lavoro degli smalti, pensati in tonalità naturali, e alla presenza di texture e tracce. Una dimensione preziosa è inoltre aggiunta dalle viti forgiate una a una dall’Atelier Feuz. In questo progetto, infine, la pesantezza della materia entra in dialogo con la leggerezza visiva dei moduli sospesi.
